Deus, Emma Morley e Dexter Mayhew – os protagonista da história – são tão reais!

E são por essas e outras que a leitura de “Um dia” é essencial. Sabe aquele abismo entre a realidade e o sonho, daquilo que imaginamos que um dia seremos e o que de fato a gente vira? Sabe aquela angústia que a gente sente quando nada é suficiente e viver parece ser uma corrida sem fim em busca do timing das coisas? Já diria Vinicius de Morais que “a vida é a arte do encontro embora haja tanto desencontro pela vida”… Isso é tão triste, mas tão real, e a força dessa verdade nos atinge em cheio quando conhecemos Em e Dex – sim, já sou íntima deles, impossível não ser.

Emma Morley é a típica menina inteligente que vai para a faculdade honrar seus neurônios e a condição ideológica que fez questão de colocar a si mesma. É bonita, mas parece não apreciar isso. É sexy, mas nada confiante. É revolucionária, mas não tem muitos motivos para encarnar as reivindicações da sociedade. Essencialmente, Emma Morley é a típica garota de 20 e poucos anos que tem uma vida nada interessante, mas que vê até certo glamour neste estilo modesto de levar as coisas.

E é aí que surge Dexter Mayhew, que compra a ideia de ser o oposto da nossa mocinha moderna, mas na verdade é farinha do mesmo saco. Rico, bonito e todo cheio de si, o rapaz também é fruto das condições ao seu redor. Dex leva a vida como se não houvesse amanhã, mesmo porque não há razão para se preocupar com isso. Quando se tem 20 e poucos anos e tudo nas palmas das mãos, por que temer o futuro?

15 de julho de 1988 pode parecer uma data qualquer, sem muito brilho, mas com o virar das páginas de “Um dia” percebemos que estas foram as 24 horas mais importantes das vidas desses jovens que ainda tinham tanto a aprender. Foi nesta data que eles entraram na vida um do outro para, então, mudarem seus destinos na mesma proporção de “n” diferentes maneiras. O que acontece nos 20 anos posteriores a este encontro sempre remete à noite da formatura em que Em e Dex se uniram para perguntar: “O que será de nós amanhã?”.

Não vou me alongar neste post, pois tenho medo de falar mais do que devo. Termino, então, dizendo que não é perda de tempo viver todo santo dia 15 de julho, durante duas décadas, na cola de Em e Dex. Isso porque, muito além deles, é a nossa própria trajetória que aparece como um foguete na nossa frente. Um dia faz toda a diferença, mesmo que a gente demore séculos para entender isso. “Em e Dex, Dex e Em”.

O disco mais recente da dupla, “Sounds Of Nowheresville”, mescla elementos de pop e rock, incluindo até algumas pitadas de hip hop (o tal vocal falado se faz presente em alguns momentos). O uso de samples é feito de forma bem dosada, sem exageros. O sample é, na verdade, um instrumento a mais dentro do processo criativo.

“Hang It Up”, single que ganhou vídeo na internet, parece trilha sonora feita sob encomenda para um documentário sobre esportes radicais. Não por acaso, o clipe em questão conta com a participação de praticantes de skate.

“Give It Back” oscila entre o rock e o som dançante. Tem um riff poderoso e um refrão que pode ser tocado em qualquer pista de dança do mundo, uma ótima sacada da dupla. Gostei bastante da faixa “Soul Killing”, que mostra uma certa inocência pop no vocal de Katie. É uma canção que poderia tocar facilmente nas rádios nos anos 80. E há até um momento mais introspectivo com a balada “In Your Life”, que é praticamente acompanhada por guitarra e instrumentos de corda de orquestra.

As comparações com outro duo britânico famoso dos anos 80, Eurythimcs, ficam só em alguns detalhes da aparência visual. Jules de Martino ostenta uma barba nos vídeos mais recente (como Dave Stewart fazia no passado). E Katie White é loira, mas lembra mais o rosto de Lady Gaga do que o visual de Annie Lennox.

The Ting Tings é mais uma aposta certa do tal cenário indie pop e rock. Um cenário alternativo que aliás começa a ganhar um espaço maior nos últimos anos no mercado fonográfico.

A casa está localizada no térreo do polêmico edifício Copan, que nem todo mundo sabe, mas que tem arquitetura de Oscar Niemeyer e é um dos edifícios de maior estrutura de concreto armado do país. Sob a batuta da chef paulistana do Brás, Janaina Rueda, o bar resgata em seu cardápio a rica gastronomia do interior do Estado. Ingredientes de todos os cantos de São Paulo se misturam e resultam em uma grande variedade de petiscos e pratos.

O ambiente do bar brinca com as cores da onça. Desenhos a giz em lousas trazem sugestões de pratos, como um cardápio. Uma das paredes está revestida com fotomontagens com onças escondidas em grandes cidades. Uma brincadeirinha de gosto um tanto duvidoso, mas cumpre sua função de distrair os clientes.

O cardápio é vasto, mas optamos por um dos “P.Fs. da Dona Onça” composto de carne moída refogada com azeitonas e ovo cozido, acompanhado de arroz, feijão e couve refogada (R$ 34).

Para sobremesa, pedimos o Trio elétrico (R$15,00) um pratinho com um mini quindim, um mini pudim e uma colherada cheia de brigadeiro mole.

O tempero da Dona Onça me lembrou das simples e deliciosas comidas da casa daquela tia que mora no interior. Com intenção de popularizar o vinho, a casa sugere tintos e brancos em taça no lugar do tradicional chopp.

Vale a pena conhecer, entretanto creio que a porção poderia ser mais generosa e os preços menos abusivos, afinal um prato feito por mais de trinta reais afeta o orçamento de qualquer cristão.

Avaliação: 8

Bar da Dona Onça
Avenida Ipiranga, 200, Edifício Copan, lojas 27 e 29 – Centro – São Paulo-SP
www.bardadonaonca.com.br

O espetáculo faz parte da turnê “Chico”, que viajará por todo o país, e ocorreu no espaço HSBC Brasil, local aconchegante e com ótima acústica.

Pontualmente às 22h, o astro da noite adentra o palco. Direto ao assunto, ele já chega cantando e leva a platéia à loucura com seu sorriso envergonhado. Chico cantou todas as músicas de seu novo cd e algumas canções mais antigas, dentre as quais uma realização sublime de Choro Bandido (1983). Vale ainda ressaltar o arranjo de Sinhá, com uma levada africana que nos transportava diretamente para as senzalas, e a homenagem ao cantor Criolo, que recentemente fez uma versão para Cálice (1969).

A maravilhosa banda que o acompanhava contava com Bia Paes Leme (teclados e vocais), Chico Batera (percussão), João Rebouças (piano), Jorge Helder (contrabaixo acústico), Marcelo Bernardes (flauta e sopros) e Wilson das Neves (bateria), além de Luiz Carlos Ramos (violão e direção musical).

Depois de cerca de uma hora e meia de boa música, Chico Buarque se despede com um singelo “boa-noite” e, para aqueles que conhecem sua vasta obra, deixa um gostinho de quero-mais.

Para os “fãnáticos” de Chico Buarque como eu, bem que o texto poderia acabar aqui.

No entanto, é necessário fazer algumas últimas ponderações sobre o show. Uma palavra resumir-lo-ia perfeitamente: pragmático. Embora a execução das músicas fosse impecável e o carisma do cantor inegável, não se via em Chico nenhum entusiasmo maior; era como se estivéssemos ouvindo o cd em nossas casas, não havia aquele algo a mais que se espera de um show ao vivo. Além disso, ele não conversava com a platEia para comentar sobre alguma música ou para contar alguma história – como é comum entre os cantores, principalmente os de bossa-nova.

Bom, uns dirão que essa impassibilidade do cantor se deve ao fato dele não gostar de fazer shows, outros que se deve à sua vergonha do palco; há ainda quem afirmará que isso tudo foi impressão minha, afinal eu estava esperando muito do evento; e também não faltará quem diga – porque sempre há aqueles que não apreciam a excelente música nacional – “Mas vindo desse Chico Buarque, qual a surpresa? O tempo do cara já passou”.

Enfim, foi esta a minha impressão: um bom show, que vale a pena cada centavo gasto no ingresso (bons centavos, diga-se de passagem), mas que não surpreende o público.

Enquanto Branca de Neve e o Caçador, previsto para estrear dia 1º de junho no Brasil com Kristen Stewart, Chris Hemsworth e Charlize Theron, tem um aspecto mais sombrio e puxa mais para a ação ao focar no relacionamento entre os personagens do título, Espelho, Espelho Meu é a típica comédia infanto-juvenil: personagens com personalidades bem definidas, piadas e gags em meio a cenas de ação e um romance.

Após um prólogo em animação até que surpreendente em sua originalidade, o espectador é apresentado sem demora aos personagens principais, a situação em que vivem e as problemáticas a serem enfrentadas. Começando por Branca de Neve (Lily Collins), a jovem doce e reprimida que é impedida de sair do castelo pela Rainha Má (Julia Roberts), esta sempre acompanhada de quem por suposto seria o caçador, mas na verdade é um covarde serviçal (Nathan Lane). O Príncipe (Armie Hammer) é um forasteiro, a quem a Rainha vê como a solução perfeita para se livrar de seus problemas financeiros.

Os sete anões novamente socorrem Branca de Neve quando ela não pode mais voltar ao palácio, mas em vez de trabalharem em uma mina de diamantes, são ladrões praticamente ninjas que lutam em pernas de pau durante seus ataques (!). Com o interesse em comum de derrubar a rainha, os anões ajudam Branca a lutar e deixar a meiguice de lado, enquanto ela mostra que eles não precisam ser tão rancorosos e nem roubar dos moradores – já miseráveis – do reino.

Deixando o desenvolvimento e transformação de personagens para quem está na floresta, no castelo fica a maioria dos alívios cômicos, desde o próprio palácio em estilo elisabetano, assim como o figurino de quem se encontra lá, até as tentativas de conquista da Rainha Má. Julia Roberts foi a grande aposta da produção e apesar de não ter se destacado tanto, é interessante vê-la em um papel tão caracterizado. Já Nathan Lane, apesar de não ser uma decepção, por ser conhecido por suas comédias, era de se imaginar que seria explicitamente o responsável pela maioria das cenas com essa vertente, mas no fim da sessão, quem fica como maior proporcionador de risadas é – o também galã – Armie Hammer, que fez bem ao mostrar outros lados depois de seu desempenho em A Rede Social e J. Edgar.

Com uma cena final bollywoodiana, Espelho, Espelho Meu se prova ser duas horas de puro entretenimento, perfeito para levar os priminhos, sobrinhos e filhinhos.

Um disco que me despertou a atenção foi o “Born To Die”, da cantora Lana Del Rey, uma americana que começou a invadir a Inglaterra, terra natal de Adele. Seu disco de estreia já emplacou nas paradas do Reino Unido e chamou a atenção da crítica especializada.

O segredo de Lana Del Rey (nome artístico que homenageia a atriz Lana Turner e o carro Ford Del Rey) talvez seja a forma introspectiva de cantar. Ela possui timbre menos agudo, mais voltado para o contralto. Cantora extremamente afinada, busca temas ligados ao cotidiano, cantados com um certo ar de melancolia retrô, estilo anos 40 e 50.

A proposta, aliás, tem dado muito certo. A inglesa Adele acabou de conquistar vários prêmios Grammy, mostrando um trabalho menos fashion, digamos assim, e mais focado na música, na força das canções e de sua voz. O primeiro hit de Lana Del Rey foi “Vídeo Games”, com o qual foi parar no programas de Jools Holland, na Inglaterra, e Saturday Night Live nos Estados Unidos.

Agora já ela trabalha na divulgação na ótima faixa título de seu CD de estreia (“Born To Die”), que também vem carregada de melancolia. O disco tem alguns momentos dançantes, como “Diet Moutain Dew”, que lembra um pouco a Madonna da época do disco “True Blue”. O mesmo tipo de comparação é válida na canção “National Anthem”.

“Born To Die” pode ser uma boa pedida para quem busca sair daquele lugar comum que o pop contemporâneo tem mostrado ultimamente. O disco navega na contramão do sucesso fácil, provando que é possível o músico apostar em sua arte, ao invés de ter ela embasada em ações polêmicas ou visuais bizarros.

Era o disco Famous Last Words, o último com a participação de Roger Hodgson, uma preciosidade. Lembro também das broncas que levei dos meus pais por manusear o LP com a delicadeza própria de uma criança de cinco anos. Gostava de repetir infinitas vezes a faixa três do lado A do bolachão: It’s raining again. Era a minha preferida. O som do sax e aquela voz aguda me faziam colocar o som no volume máximo e sair dançando sozinha pela sala com o controle remoto da TV em mãos simulando um microfone. Vez ou outra surpreendia minha mãe espiando no corredor e morria de vergonha.

O SHOW

Toda essa introdução foi para tentar expressar o que senti quando, na noite do dia 26 de abril, percebi que estava diante de um ídolo que nunca sequer tive a curiosidade de conhecer. Era a mesma voz que causou em mim tanta alegria na infância quando eu nem imaginava que aquelas canções faziam parte de uma nova fase da música chamada rock progressivo. Foram pouco mais de duas horas de show no Via Funchal, única apresentação em São Paulo, que me fizeram reviver as mesmas sensações daquela menina de cinco anos que dançava desengonçada pela sala. Hodgson arrancou suspiros, aplausos e gritos alucinados ao sair do palco, após os quais voltou para cantar as três últimas músicas, entre elas a minha preferida, It’s raining again, que também está no CD atual do Roger, “Classics Live”.

Foi um dos melhores shows que vi até hoje, não somente pelo significado pessoal, mas pelo capricho e sofisticação da produção artística. Roger Hodgson e sua nova banda reproduziram fielmente todo o arranjo original dos discos. Simpático e muito atencioso, ele recebeu presentes, conversou com a plateia e empolgou cantando mais de vinte clássicos do antigo grupo e algumas faixas de seu trabalho independente. Foi atendido prontamente em todas as vezes que pediu para que o público acompanhasse de pé algumas músicas. E em cada uma delas, uma viagem no tempo. Nesta passagem pelo Brasil, fez apresentações em nove cidades, sempre com lotação máxima.

HISTÓRIA

Como integrante do Supertramp, Roger Hodgson fez muito sucesso nos anos 70 e início dos 80, ultrapassando a marca de 60 milhões de discos vendidos. A banda foi desfeita em 1983 e Hodgson seguiu em carreira solo. No primeiro álbum após o fim do conjunto, ele foi o responsável pelas composições e também pela produção do disco. Desde então, nunca mais parou. Para quem não conhece, vale a pena navegar pelo site www.rogerhodgson.com, onde também é possível adquirir o CD “Classics Live”, produzido com versões ao vivo. Para quem gosta, mas perdeu o show, o jeito é torcer para que, talvez daqui a dois anos, o ídolo volte para uma nova turnê pela América do Sul como vem fazendo desde 2008.

Durante a apresentação, o vocalista e guitarrista interpretou grandes sucessos como: Take the long way home, School, Hide in your shell, Breakfast in America, The logical song, Lord is it mine, Dreamer e Give a little bit. Veja agora o final de um dos shows da turnê 2012 de Roger Hodgson com It’s raining again. Clique aqui

Lousas penduradas pelas paredes do teatro e cadeiras de sala de aula típicas de um reformatório criam o ambiente, apresentado na primeira cena pelo quarteto de jovens a proferir em uníssono frases e ideias impostas pelo colégio católico tão estrito quanto seus uniformes. Passado o entendimento do cenário, os amigos estudantes informam a si mesmos assim como aos espectadores que é chegada “A Hora Noturna”, o momento de diversão do dia, em que decidem encenar Romeu & Julieta.

O paralelo da encenação desses jovens dentro de um quarto e sua interpretação dos personagens shakespearianos proporciona um ritmo dinâmico e faz desta uma versão mais inovadora e moderna da obra. A originalidade também está presente na trilha sonora, que vai de Beatles e Queen até referências a Daniela Mercury, como parte das tiradas cômicas, bem presentes durante a peça e que intercaladas com momentos mais dramáticos servem perfeitamente para o público atual, principalmente para o acostumado apenas com o “teatro-espetáculo”.

Com o decorrer da peça e a intensidade da obra clássica aumentando, as transições entre os estudantes e Romeu & Julieta se tornam cada vez menos constantes e os atores passam a revezar seus papeis com menos intermediações. Nessa difícil missão, Pablo Sanábio, por exemplo, dá vida a ama de Julieta, o Frei e Teobaldo, fazendo mudanças de personalidade, tom e até mesmo gênero, em um mínimo espaço de tempo. João Gabriel Vasconcellos, Felipe Lima e Geraldo Rodrigues (indefinidamente no lugar de Rodrigo Pandolfo) completam o elenco que dá gosto de ver em sua sincera e apaixonada interpretação. Não à toa, estão juntos nessa empreitada rodando o Brasil há mais de um ano.

Depois de se apresentar no Sesc Belenzinho, o fim da temporada paulista já está aí para R & J – Juventude Interrompida. Portanto, é melhor se programar logo para não perder a tragicomédia inesquecível criada pela junção de Joe Calarco, João Fonseca e quatro jovens, talentosos e promissores atores que é apresentada humildemente em um dos teatros mais aconchegantes e conhecidos pela classe artística, o Espaço Os Fofos Encenam.

Uma arma em punho e o desejo de por fim à própria vida dá início ao espetáculo. A desilusão e a falta de perspectivas levam o homem branco, de classe média, trabalhador, a travar um embate consigo mesmo. Neste momento surge o negro, maltrapilho, um cidadão esquecido pela sociedade. Surge como uma sombra, um anjo da morte que coloca em xeque os questionamentos do suicida e evidencia o preconceito racial.

Fernando Nitsch e Tayrone Porto são os atores que dão vida a este drama urbano. A direção da peça é do também ator Celso Frateschi, que recentemente esteve em O Astro com o personagem Pirilo Cerqueira. Segundo ele, o espetáculo vem sendo escrito há mais de dez anos. “O diálogo entre os personagens é uma jornada na qual ambos passam por entendimentos diversos. São vítimas e responsáveis pelos próprios atos”, explica Frateschi.

O figurino e o cenário são simples, sem detalhes. Destaque para a tela translúcida presente o tempo todo entre o palco e a plateia, na qual são projetadas imagens e sombras. Além disso, este elemento cria um distanciamento da cena, fazendo o espectador acreditar na solidão daqueles personagens, como se estivessem realmente isolados do mundo num buraco do Metrô.

Estação Paraíso/12 está em cartaz no Teatro Ágora, na Bela Vista, em São Paulo, até 6 de maio. Apresentações sextas, sábados e domingos.

A história, ou melhor, a saga do grupo começou em 2009. Os integrantes foram incentivados por Seu Jorge, que também participa da gravação desse disco de estreia do grupo. O que difere é o repertório. Há releituras deliciosas de clássicos de nosso cancioneiro e de algumas pérolas não tão conhecidas do grande público. Mas também tem músicas autoriais, que não fogem muito do estilo gafieira para baile ou festa.

Recrutaram dois autênticos crooners: Gabriel Moura e Flávia Menezes. Montaram um poderoso naipe de metais e ritmo, que vieram de outros conjuntos (Mantiqueira, Funk Como Le Gusta e Soundscape). E ainda contaram com auxílio luxuoso de nomes importantes da música instrumental. Só Bocato, que responde pelo arranjo de Onde Anda meu Amor? (de Orlandivo), já justificava a aquisição desse disco.

Mas há muitos outros momentos mágicos, como o clássico Aqui é o País do Futebol (se a organização da Copa 2014 for esperta, adota essa faixa como jingle oficial da competição), Isto é o Meu Brasil (samba exaltação do mestre Ary Barroso) e Conjunto de Baile (de Eduardo Gudin e Paulo Cesar Pinheiro).

O veterano músico Wilson das Neves canta O Samba é Meu Dom, que ele mesmo compôs em parceria com Paulo Cesar Pinheiro. E é um dos momentos mais bonitos do disco. A letra conta a trajetória de Wilson das Neves na música, com várias citações a personagens importantes de nosso cancioneiro.

Aliás, não há um momento do disco que você possa classificar como mediano. É como o próprio Wilson das Neves explica em um vídeo promocional do grupo. “É música de baile, feita prá dançar mesmo”.  Bocato ainda complementa: “Não há nada que segure um bom som”. E para a felicidade geral na nação, a saga dessa orquestra está apenas começando.

Neste vídeo promocional, os integrantes da orquestra e convidados explicam o conceito da gravação desse disco: